Primer Semestre

Pensum:

  1. Presentación y Competencias: Se ve cuál es la motivación del estudiante, se conocen sus talentos, sus desafíos y sus posibles aportes al rodaje del cortometraje final del semestre.
  2. Temas de proyección de carrera: Se explica detalladamente el proceso para que un actor formado pueda acceder a la bolsa de trabajo en el medio audiovisual.
  3. Qué es actuar y cuál es el objetivo: Se llega a la conclusión, a través del análisis histórico y lógico de qué es actuar, de cuál es su objetivo y su valor a nivel cultural y social.
  4. Creación de redes sociales: Generar la imagen artística del actor. Compartir material académico, procesos de casting e información necesaria para el estudiante
  5. Porque quieres ser actor /actriz: Se enfrenta al estudiante a la realidad de la industria y a la carrera del actor en sí (¿QUE ES ACTUAR Y CUÁL ES EL OBJETIVO?) Nos remontamos a los orígenes mismos de la actuación, dejando claro que es la actuación a nivel teórico y la actuación para cine.
  6. Normas y reglamento.
  7. Cambio de esquema de pensamiento Teniendo en cuenta el modelo tradicional educativo que se basa en memorizar y recitar en clase cualquier tema para aprobar una asignatura (Lo cual desde la visión de este contenido se desaprueba totalmente); hemos implementado un sistema propio en el cual se privilegia el uso del pensamiento crítico donde la información no es ni absolutamente verdadera ni absolutamente falsa, y el estudiante está en la obligación de receptar, analizar, entender y poder comunicar cualquier tema que le sea asignado. Contrario al ejercicio teatral que se basa mayormente en el trabajo corporal, nuestro trabajo se basa en entrenar el proceso cognitivo usando para ello ejercicios que podrían parecer muy distantes a todo lo relacionado con la actuación, extraídos de la física cuántica, de paradojas y juegos mentales, logrando que el actor cambie de esta manera su modelo de pensamiento y salga de su zona de confort mental para poder comprender el complejo entramado de la actuación para lenguaje audiovisual.
  8. Los tres lenguajes primarios: Se muestran ejemplos de los tres lenguajes, fragmentos de películas, obra teatral o telenovela y se explica a nivel teórico la diferencia entre los tres lenguajes.
  9. Inicios del cine Latinoamericano: En esta herramienta el estudiante observa películas para evaluar los principios del cine latinoamericano.
  10. Diferencia entre actuación para cine y actuación para teatro: Se definirá la diferencia de la actuación en cine y teatro y observarán las diferencias de los elementos que un actor de teatro y uno de cine deben aplicar.
  11. Los departamentos en el cine: Análisis y distribución de departamento/ roles de producción.
  12. Inicio preproducción cortometraje: Se distribuyen los departamentos según las competencias de cada estudiante, se inicia la creación y desarrollo de personajes, se realiza el casting para generar el reparto y se desarrolla la preproducción general del proyecto.
  13. Todo actor debe ser director: Observando la síntesis de un buen director de cine, que debe obligatoriamente tener profundos conocimientos sobre actuación y poder ejercerla aunque no sea virtuoso en ello, el actor así mismo está en la obligación de poseer conocimientos muy importantes en dirección cinematográfica, para poseer un panorama amplio y objetivo de su trabajo como actor.
  14. Ejercicio de casting En esta herramienta el actor debe preparar una escena bajo su propia responsabilidad para cometer sus propios errores, sólo se le dan marcaciones técnicas. Como resultado, el actor encontrará las falencias más comunes en la realización de un casting profesional.
  15. Efecto de exposición: Dentro de los grandes mitos que este taller tiene destinado a romper se encuentra el efecto de exposición que pretende propugnar el hecho de que el temor que manifiesta el actor al estar expuesto a cámara y público se pierde con los años y la experiencia.
  16. Prueba parcial 1: Se evalúan las competencias logradas hasta esta instancia del semestre
  17. Sesgo cognitivo del personaje: Gracias al imaginario colectivo existen personajes que tienen una conducta particular o propiedades generalizadas que son absolutamente claras para este mismo imaginario convirtiéndose en íconos cuya configuración no puede ser desvirtuada, pero a través del análisis involucrado en esta herramienta, descubrimos que muchos de dichos personajes tienen configuraciones o propiedades totalmente opuestas.
  18. El cliché: Se define como cliché el reiterativo uso de imágenes acciones, elementos, etc. que sintetizan un personaje. Este personaje es repetitivo en muchos escenarios narrativos. El actor se enfrenta al dilema de tener que hacer un personaje cliché y aunque caigamos en la redundancia, no caer en el cliché (lo cual en teoría es imposible) aquí buscamos los recursos para que un personaje con este argumento narrativo/visual, tenga aportes y elementos que lo hagan diferenciarse del promedio.
  19. Voz profesional y respiración: En esta herramienta se verá respiración, voz diafragmática, tonalidad e intensidad, y se darán todos los elementos necesarios para que el actor potencie las características de su voz en la escena.
  20. Gozarse el casting: Una de las herramientas más importantes del proceso. El actor nuevo cree que el casting es un evento traumático, y esto es erróneo.
  21. La negación: En esta herramienta se le dice al actor que siempre está utilizando la negación, es decir negando lo que hizo o dejó de hacer durante la escena.
  22. Lenguaje universal cinematográfico: En esta herramienta se lleva al actor a descubrir los códigos tácitos que existen en el cine.
  23. Las cinco reglas del actor: En este ítem se descubren las 5 reglas más poderosas del actor que serán cimiento y potencializador de la carrera profesional del estudiante; en ausencia de estas 5 reglas, es sumamente improbable que el resultado final sea exitoso y profesional.
  24. Humanizar el personaje ¿Por qué se cree que el personaje no existe? El personaje es un ser humano en toda su extensión excluyendo la vida biológica. (sin incluir personajes históricos vivos), y el actor normalmente olvida esto y deja al personaje en el limbo de lo irreal.
  25. Viaje a la matriz: Esta herramienta es importante para confrontar las emociones personales que tiene el sujeto y para aprender a manipular la emoción con referencia al personaje.
  26. Tres elementos a definir en la escena: Si el actor nunca define estos tres elementos independientemente de su orden, no tendrá las herramientas suficientes para llevar a cabo su interpretación de manera correcta.
  27. Disociación de forma y contenido: En esta herramienta el actor descubre que el personaje no necesariamente debe ser como se ve.

Segundo Semestre

  1. La paradoja del amor: Normalmente se nos vende el amor y otras emociones, como una imagen onírica rodeada de cosas positivas y tiernas, pero existen otras definiciones de dichas emociones.
  2. La dicotomía de la maldad: La postura moral, política o religiosa propia, nunca debe involucrarse en el análisis de un personaje.
  3. Guion inverso: Partiendo del principio de la ingeniería inversa, establecemos un ejercicio en el que el actor se ve obligado a pensar crear y sustentar una historia de mediante esta técnica.
  4. Voz profesional 2: Acentos, dialectos, doblaje de voz, voz comercial, e institucional. Se darán todos los elementos necesarios para que el actor potencie las características de su voz en rodaje.
  5. Comunicación emocional: La limitación a nivel humano de la comunicación, está en lo lingüístico y lo gestual, en teoría no puede existir otro tipo de comunicación; en esta herramienta exploramos la comunicación emocional.
  6. Casting universal: En esta herramienta el actor diseña desde cero un personaje, a nivel psicológico, visual y emocional con el fin de presentar un casting. Aquí el actor pone a prueba su creatividad, poder investigativo y actitud profesional, hacia la construcción de un personaje.
  7. Segundo ejercicio de casting: Misma escena de ejercicio de casting profesionalizado
  8. Lo que el actor quiere y lo que el director quiere: El director de casting siempre tiene claridad absoluta sobre lo que busca en el actor, eventualmente una escena puede ser modificada por este para encontrar otras latitudes.
  9. Emoción general y emoción particular: El personaje, al igual que cualquier ser humano, maneja un complejo sistema emocional, aquí el actor descubre su funcionamiento y su división.
  10. Menos es más: Esta es una de las máximas reglas en el lenguaje cinematográfico, dentro de su simplicidad se invita al actor a utilizar los recursos mínimos a nivel gestual corporal y lingüístico, buscando así una actuación minimalista y naturalista. Como resultado, las síntesis del movimiento corporal/gestual.
  11. La motivación: Juego en que el actor está en la obligación de descubrir la motivación real del personaje.
  12. Construcción de personaje: Se dilucida el proceso de la construcción del personaje, quién y cómo lo hace, se descubren sus etapas y componentes para lograr descubrir el personaje a nivel psicológico, visual y emocional.
  13. Vivir la imagen: Muchas veces el actor tiene la posibilidad de integrarse con la imagen en una locación o set, pero este se ensimisma en su interpretación y olvida este entorno, si este no existe, el actor está en la obligación de crearlo en su mente.
  14. Vacíos dramáticos: Dentro de una escena el actor está en la obligación de complementar vacíos dramáticos, siendo esto resultado de analizar la escena y determinar que dicho vacío realmente existe.
  15. Primero la acción, después el diálogo: Es muy importante que el actor maneje esta estrategia pues muchas veces la acción sobre el diálogo tiende a impedir que la intención de la escena sea comunicada con claridad.
  16. Roles y personajes: Muchas veces por la intensidad intrínseca del personaje, el actor tiende a olvidar que este maneja muchos roles.
  17. Subtexto literario y gestual: En esta herramienta se guía al actor para que encuentre todo lo que no está explícito en el guion y en la actuación.
  18. Analizar castings profesionales: En esta herramienta se ven los castings de un actor profesional, se analiza el personaje, el proceso de desarrollo de la escena, y queda como referencia para el actor, en el desarrollo de un casting profesional.
  19. Marcación de dirección y marcación técnica: Las órdenes que da el director al actor para desarrollo de la escena y la marcación se le da para que el actor sea consecuente con los aspectos técnicos del rodaje (Luces, cámara, dirección de arte, etc.)
  20. Análisis de la escena: Se desarrolla un análisis exhaustivo de la escena, determinando en la medida de lo posible con mucha exactitud modo, lugar, proceso emocional y lo que el personaje desea comunicar.
  21. Solidaridad mecánica: Por razones de índole cultural, tendencia, por analizar la propuesta de un actor con más experiencia o simplemente escuchar que alguien dijo que así se debería hacer, el actor interpreta en la escena, siguiendo estos lineamientos, pero olvida que él está en la obligación de usar las cinco reglas del actor en la escena para llegar a una conclusión propia.
  22. Redundar el gesto: En esta herramienta se le explica la utilización del cuerpo para generar símbolos, figuras o imágenes que están explícitas en el guion.
  23. Vicios escénicos: Aquí se determina cuáles son los vicios en la escena a nivel lingüístico corporal y gestual, que el actor repetidamente manifiesta.
  24. Síndrome de la híper-acción En este ítem se aprende que el cuerpo no necesita generar una acción preestablecida.
  25. Entrar y salir del personaje: En esta herramienta se entrena al actor para conmover a su público más no para no conmoverse a sí mismo con la emoción del personaje.
  26. Misterio: El actor descubre este componente que normalmente posee el personaje y aprende a usarlo para beneficio propio en su interpretación.
  27. Manejar los opuestos: En esta herramienta se aprende que las emociones pueden tener diferentes significados dependiendo del individuo.
  28. Prueba final 2: Se evalúan los conocimientos adquiridos hasta esta instancia del semestre y se determina si el estudiante logró los objetivos propuestos.
  29. Rodaje cortometraje final de semestre: Luego del desarrollo de los personajes en casting se procede a los ensayos del cortometraje final con los equipos ya distribuidos y en funcionamiento.
  30. Postproducción: La idea en este ítem es que los estudiantes participen en todo el proceso de postproducción con un profesional, esto es: la edición de video, sincronización de audio y corrección de color, vfx y créditos.
  31. Difusión: En esta etapa los estudiantes tienen como objetivo localizar festivales gratuitos a nivel mundial, canales, productoras, y diferentes medios de difusión en los cuales el proyecto realizado pueda tener difusión.
  32. Etapa de producción: En este proceso, los estudiantes se dedicarán exclusivamente a la creación, desarrollo y difusión de varios proyectos que se realizarán en los dos semestres siguientes, pilotos, cortometrajes, serie, etc. haciendo una reevaluación, análisis y puesta en práctica de todas las herramientas descritas anteriormente.